Olivia Rodrigo, Lana Del Rey, Brockhampton, Eric Church und mehrCover-Composite von Rolling StoneDieses Jahr hat uns bereits eine Menge exzellenter Veröffentlichungen beschert, darunter bahnbrechende Debüts von Olivia Rodrigo, Arlo Parks und Girl In Red, aufschlussreicher R&B von Jazmine Sullivan und Dawn Richard, spannender Indie-Rock von Julien Baker und Dry Cleaning und exzellente neue Arbeiten von zuverlässigen Stars wie Eric Church, den Foo Fighters und Lana Del Rey.Während die meisten Künstler an ihrem Trennungsalbum arbeiten und sorgfältig den Grundstein für ihre zukünftige Verwüstung legen, ist Rodrigo bereits zu ihrem Tunnel of Love übergesprungen (ähm, es gibt sogar einen Song mit dem Titel „1 Step Forward, 3 Steps Back“).Ähnlich wie „Drivers License“ behandeln die Balladen hier Herzschmerz mit Anmut – selbst wenn sie sich von einem Ex trennt, widersteht sie dem Drang, ihren neuen Partner niederzureißen.„Aber sie ist schön/sie ist nett“, gibt sie auf „Happier“ zu, einem der funkelnden Highlights des Albums.„Wahrscheinlich schenkt sie dir Schmetterlinge.“So wie „Deja Vu“ und „Good 4 U“ bewiesen, dass Rodrigo viel mehr sein würde als ein einmaliges Phänomen mit einem viralen Hit über das Durchbrechen von Herzschmerz, bestätigt Sour, dass dies nur der Anfang ihrer Geschichte ist, wo sie reitet gekonnt auf der Welle der Teenager-Turbulenzen und des emotionalen Chaos auf jedem Weg, den sie wählt.Gott, es ist brutal hier draußen.BINDer norwegische Schlafzimmer-Popstar Marie Ulven beschäftigt sich intensiv mit Einsamkeit, Angst, Lust, Wut, Eifersucht und all den anderen Qualen dieses verrückten kleinen Dings namens Liebe.Als Girl on Red hat sie sich seit ihrem 2018 erschienenen „I Wanna Be Your Girlfriend“ eine treue Fangemeinde aufgebaut, bis hin zu ihrem lang erwarteten Debüt „If I Could Make It Go Quiet“.Ulven fasste diese Songs im Rolling Stone als „viel mentalen Krach“ zusammen, von „Serotonin“ (produziert von Finneas) bis zum Beuteruf-Unwohlsein von „Midnight Love“.Aber sie hat eine tolle Art, es auf den Punkt zu bringen: „Du dumme Schlampe, kannst du nicht sehen / Die perfekte für dich bin ich.“RSVerwandte Geschichten Beste Musik des Jahres 2021: Staff Picks Die besten Alben des Dezembers 2020: Paul McCartney, Taylor Swift und mehrObwohl Del Reys Gesamtprojekt während ihrer gesamten Karriere bemerkenswert konsistent geblieben ist, hat sich ihre wachsende Desillusionierung über den Ruhm und die vorherrschende Ikonographie von Reichtum und Erfolg in diesem Land stark abgezeichnet, da die nationale Stimmung immer schlechter wurde.Ihre Beobachtungen sind jetzt düster, ihre Melancholie vor einem substantielleren Hintergrund.Kinder tanzen den Louisiana Two-Step in einer vergessenen Bar;eine längere Trennung findet ihr bitteres Ende;Leute werden high und machen auf einem Parkplatz rum, während „die ganze Welt verrückt ist“.Es ist ein unglaublich düsteres, aber zugleich seltsam beruhigendes Gefühl – die Vorstellung, dass die eigenen Dramen, die Höhen und Tiefen des „normalen“ Lebens, weitergehen werden, selbst wenn der Rest der Welt scheiße geht.CSDie R&B-Künstlerin Dawn Richard hat in ihrer fast 20-jährigen Karriere einen verschlungenen Weg eingeschlagen.Jetzt findet sie sich mit ihrer sechsten LP „Second Line“ auf dem Indie-Rock-Label Merge aus North Carolina wieder.Es mag ein unerwarteter Ort für sie sein, aber die Platte fühlt sich wie ein Höhepunkt all ihrer Erfahrungen an, die in ein Album eingeflossen sind, das jahrzehntelange Musik und Erbe zu einem aufregenden, organischen Ganzen zusammenfügt.Die Entscheidung von Richard, einen Großteil von Second Line in House und anderen Formen elektronischer Clubmusik zu verankern, hat eine ganz eigene ergreifende Energie.So wie die frühen Pioniere des Chicago House ein futuristisches Gefühl musikalischer und sexueller Identität geschaffen haben, gibt es hier das Gefühl, jedem Impuls zu folgen, den Sie wollen, egal wohin er Sie führt.JDJosiah Wise tauscht Leidenschaft gegen Hingabe auf Deacon, seinem neuesten Album in voller Länge als Serpentwithfeet.Seit seiner Debüt-EP „Blisters“ hat der im Chor ausgebildete experimentelle Künstler aus Baltimore einen umfangreichen Katalog gewebt, der die Zärtlichkeit und Üppigkeit der queeren Romantik darstellt, mit einer barocken Klangpalette, die für ein Schlafzimmer genauso passend wäre wie für ein Tabernakel.Deacon arbeitet in einem leichteren Register, mit Four-on-the-Floor-Beats und Pop-Hooks, obwohl es unaufrichtig wäre, dies eine Party-Platte zu nennen – Deacon ist weniger „clubby“ und eher wie das Tanzen in Ihrem Wohnzimmer mit a Glas Wein nach dem Essen.CSAuf zwei herausragenden Soloalben und als Mitglied der Indie-Supergroup Boygenius mit Phoebe Bridgers und Lucy Dacus hat sie sich als eine der führenden Singer-Songwriterinnen ihrer Generation etabliert, sowohl wegen der gedämpften Erhabenheit ihrer Musik als auch wegen der Texte, die das zu sein scheinen kopfüber in emotionales Chaos eintauchen. Im Jahr 2019 machte Baker eine Pause von der Musik, um ihren Bachelor-Abschluss zu beenden.Aber sie ist eine viel kompetentere Künstlerin geworden.Nachdem Baker ihre vorherigen LPs hauptsächlich mit Gitarre und Klavier aufgenommen hatte, nahm sie ihre neueste, die sie auch produzierte, mit einer kompletten Band auf und kreierte einen großen, stählernen, bedeutsamen Sound, der viel popbewusster ist als alles andere, was sie gemacht hat.Die ausladende Musik tut ihrer lyrischen Direktheit keinen Abbruch.BINSwift beginnt das gewaltige Unterfangen, ihren Backkatalog neu zu gestalten, mit „Fearless“, dem Album, das sie als Crossover-Star etablierte.Im Gegensatz zu den meisten Neuaufnahmen klingen die neuen Versionen dieses Mal irgendwie weniger glatt als das Original.Ihre Stimme fühlt sich dieses Mal tiefer in der Mischung an, aber zum größten Teil hat sie sich extrem bemüht, die polierten Nashville-Texturen und Klanglandschaften des ersten Fearless nachzuahmen;Sie brachte mehrere der Session-Musiker des Albums zurück und rekrutierte sogar Colbie Caillat (ein Haupteinfluss auf die 2008er Version von Fearless), um ihre Backing-Vocals auf „Breathe“ zu überarbeiten.Swift hat ihre stimmliche Intonation auf Fearless genau studiert, bis hin zu den unbeholfen nachgebildeten Lachern und Schluckaufen, die in „Hey Stephen“ verstreut sind.Aber ihre Stimme in den Dreißigern ist reicher, tiefer und selbstsicherer.Sie verkörpert ihre früheren Country-Akzente, aber nur bis zu einem gewissen Punkt: Sie versucht nicht mehr, „Back“ auf „Lachen“ auf dem tiefen Schnitt „Come in With the Rain“ zu reimen.JBDie kanadische Singer-Songwriterin Tamara Lindeman behandelt „Ignorance“ als ein Breakup-Album mit ihrem eigenen sterbenden Planeten und setzt sich mit dem auseinander, was sie an einem Punkt als „fragile Idee, dass alles wichtig ist“ beschreibt.Manchmal bedeutet das Schwelgen in natürlicher Schönheit angesichts der Zerstörung („Atlantic“), manchmal bedeutet es Gier und den Verlust der Unschuld („Räuber“), und manchmal bedeutet es einfach nur Trauer.Nach der Hälfte von „Loss“, einem Song darüber, was passiert, wenn Optimismus als Überlebenstaktik nicht mehr ausreicht, steckt Lindeman das emotionale Territorium des Albums in einem Moment ab, der an Van Morrisons Epiphanie „Die Liebe, die es liebt zu lieben“ aus „Madame George“ erinnert. : „Loss is loss is loss is loss is loss“, singt sie, jedes Wort sein eigenes Begräbnis, „is loss is loss is loss is loss is loss is loss is loss is loss.“—JBSullivans atemberaubender Stimmumfang ist gut dokumentiert.Sie war im Alter von 11 Jahren eine Kandidatin bei Showtime im Apollo und sang besser als die meisten Erwachsenen.Und sie ist besonders begabt darin, ihre Stimme zu modulieren.Als Songwriter ist Sullivan dafür bekannt, heiklen Emotionen mit offenem Mitgefühl zu begegnen.Heaux Tales findet die Sängerin von ihrer geschicktesten Seite.Dass es fünf Jahre gedauert hat, bis Heaux Tales verwirklicht wurde, fühlt sich richtig an.Obwohl kurz, mit einer Laufzeit von etwas mehr als 30 Minuten, zeigt die EP, wie Sullivan eine vollständige Konstellation von Liebe und Verlust herstellt.JIDas 10. Album der Foos ist sogar durch ihre einzigartig gut angepassten Standards optimistisch und kehrt zu ihrem Kern-Alt-Rock-Sound der Neunziger zurück, ohne jegliche Gimmicks, Umwege oder Spielereien.Obwohl Grohl einen Großteil seiner Post-Nirvana-Karriere damit verbracht hat, seinen FM-Radio-Rock-Idolen aus den Siebzigern nachzueifern, zeugt Medicine at Midnight von einer Pop-Ader, die er zuvor nur angedeutet hat.Wie schon bei ihrem letzten Album „Concrete and Gold“ aus dem Jahr 2017 haben sich die Foo Fighters mit dem Produzenten von Adele und Kelly Clarkson, Greg Kurstin, zusammengetan, der ihnen geholfen hat, ihre melodische Sensibilität zu schärfen.Auf dem Titeltrack mischen sie funky Disco-Loops und Akustikgitarre, ohne ihre Schärfe zu verlieren, und die heitere Ballade „Chasing Birds“ hat eine Melodie, die weit nach ihrem Schlussakkord nachklingt.KGDas erste komplette Album der erfrischend originellen Londoner Band Dry Cleaning ist bereits ein starker Anwärter auf eines der coolsten Debüts des Jahres.Dry Cleaning sind eine großartige Gitarrenband mit einer Leadsängerin, die ihre bissig drolligen, oft sehr lustigen Texte sorgfältig spricht und einen Sound erzeugt, der sich gleichzeitig intim und bedrohlich anfühlt, wie eine gemurmelte Autopsie unserer gemeinsamen Wünsche, Schrecken und täglichen Unwohlsein.Shaws Texte sind schräg, aber gesprächig;„Scratchcard Lanyard“ fühlt sich an wie eine brodelnde Kritik aus dem Inneren der sozialen und geschlechtsspezifischen Erwartungen der Mittelschicht, vorbei an eindrucksvollen Zeilen wie „Ich bin hierher gekommen, um Keramikschuhe herzustellen, und ich bin gekommen, um zu zerschlagen, was Sie gemacht haben. “, bevor er auf dem Killer-Aphorismus landete: „Alles tun/nichts fühlen“, JDAnnie Clark hat ihr frenetisches und unverfrorenes Retro-Album Daddy's Home als eine Art Abrechnung umrahmt.Ihr Vater ist aus dem Gefängnis nach Hause zurückgekehrt, wo er 12 Jahre wegen seiner Beteiligung an einem Multi-Millionen-Dollar-Aktienmanipulationsprogramm verbüßte;In der Zwischenzeit veränderte Clark ihre Musikpersönlichkeit in St. Vincent radikal und entwickelte sich von einer kleinen Indie-Künstlerin mit einer Kult-Anhängerschaft zu einer selbsternannten „kultanführerin der nahen Zukunft“ innerhalb der Popmusik.Während ihr letztes Album Masseduction ihren neu entdeckten Ruhm durch einen Elektro-Pop-Funhouse-Spiegel betrachtete, blickt Daddy's Home zurück und untersucht Clarks Beziehung zu ihrem Vater – und ihre eigene Selbstfindung mit „Becoming Daddy“, wie sie es ausdrückt – durch den Funky Stylings von Sly Stone, Pink Floyd und anderen Künstlern der Mitte der Siebziger.CSDer kolumbianische Star arbeitete mit jamaikanischen Künstlern zusammen, um eine organische LP zu erstellen, die sich nie wie Musiktourismus anfühlt.Obwohl der legendäre Dancehall-Produzent der Insel, Bobby Digital, für den Dembow-Riddim verantwortlich ist, der den Reggaetón definierte, repräsentiert Malumas neueste Version weniger eine Heimkehr als vielmehr eine Pilgerreise.Was #7DJ davon abhält, in effekthascherische Eintagsfliegen zurückzufallen, ist, wie gut er seine charakteristische Pretty Boy/Dirty Boy-Identität durchgehend beibehält.Indem er sich nie im Moment verliert, um irgendeinen Irie-Trope zu bedienen, bewahrt er, was ihn bei seinen Fans so beliebt macht.GSDas eigentliche Debüt des wild erfinderischen Rapper-Produzenten nach 30 Jahren, in denen er unter verschiedenen Decknamen und Deckmäntelchen Platten gemacht hat, verwirklichte sich dank des Elektronikmusikers Four Tet, dessen langjährige Freundschaft mit Madlib aus einer gemeinsamen Ehrfurcht vor der Erforschung von Klang stammt.Sound Ancestors ist das Produkt mehrerer Jahre und Hunderter von Aufnahmen und Fragmenten, die von Madlib zur Verfügung gestellt wurden, und ist dicht, aber niemals überwältigend.Dank der ruhigen Hand von Four Tet und Madlibs unheimlicher Fähigkeit, geschickt mit Ideen zu jonglieren, verschmelzen die Verbindungen nahtlos.Madlib setzt Proben bis zur Sublimation ein und lässt Sie mit der Ekstase der Entdeckung zurück.JISleater-Kinney sind zurück zu ihren alten Tricks, was bedeutet, dass sie ein paar neue Tricks ausprobieren.Die Punks aus dem pazifischen Nordwesten erregten 1996 mit der Riot-Grrl-Bombe Call the Doctor die Fantasie der Welt, aber seitdem weigern sie sich, sich zu wiederholen.Alles an ihrem neuen Album ist außerhalb ihrer Zone, angefangen beim Titel: Path of Wellness.Es ist das erste Album, das sie als Duo gemacht haben – die Band besteht aus Carrie Brownstein und Corin Tucker, nach einer schmerzhaften und öffentlichen Trennung von der langjährigen Schlagzeugerin Janet Weiss.Auf Path of Wellness klingen Sleater-Kinney, als hätten Tucker und Brownstein gedacht, dass es keinen Weg zurück zur Normalität gibt, also könnten sie genauso gut so seltsam wie möglich werden.RS .Die 20-jährige Singer-Songwriterin aus London bekommt in Großbritannien einen „Stimme einer Generation“-Hype, und es besteht kein Zweifel an der Kraft ihrer Musik, die gleichermaßen von Elliott Smith und Frank Ocean beeinflusst ist.Arlo Parks singt subtil und tief auf ihrem Debüt Collapsed Into Sunbeams, das seinen Titel einer Zeile in einem Zadie-Smith-Roman entlehnt und Geschichten über das emotionale Unwohlsein der Generation Z über Tracks erzählt, die zwischen R&B, Indie-Pop und Folk landen.Der Höhepunkt ist „Caroline“, eine zarte Beschwörung, wie ein Paar auf der Straße kämpft, das mit der empathischen literarischen Schönheit des klassischen Ray Davies in den Schmerz anderer Menschen eindringt.JDRevelación ist nicht der erste Versuch der mexikanisch-amerikanischen Sängerin, Musik auf Spanisch aufzunehmen.Vor einem Jahrzehnt veröffentlichte sie spanische Versionen ihrer Hits „A Year Without Rain“ und „Who Says“.Sie nahm auch ein posthumes Duett mit ihrer Namensvetterin, der Tejana-Legende Selena Quintanilla, auf.Gomez wurde 2018 durch ihren Beitrag zu DJ Snakes Welterfolg „Taki Taki“ mit Cardi B und Ozuna zu einer Kraft in der lateinamerikanischen Musik. Während es auf „Revelación“ nichts so Explosives wie „Taki Taki“ gibt, findet Gomez ihren Groove im Reggaetón Beats dank einem der Innovatoren des Genres, dem puertoricanischen Produzenten Marco „Tainy“ Masís.Auf der Latin-Seite hat er mit Schwergewichten wie Daddy Yankee, Bad Bunny und J Balvin zusammengearbeitet und auf der Pop-Seite mit Dua Lipa und Justin Bieber.Gomez befindet sich an der perfekten Kreuzung beider Fahrspuren und Tainy verschmilzt die beiden meisterhaft miteinander.LVDer Singer-Songwriter Stevie Knipe macht seit fast einem Jahrzehnt Musik, seit sie als College-Student im Bundesstaat New York in einem Studentenwohnheim aufgenommen haben.Aber Knipe (der sie/ihre Pronomen verwendet) hat mit dem exzellenten Driver wirklich einen Sprung nach vorne gemacht, sowohl in Bezug auf Klang als auch auf Songcraft.Während frühere „Adult Mom“-Alben eher ein sparsames Schlafzimmer-Aufnahme-Feeling hatten, ist „Driver“ eher ein Band-Album, mit heller Produktion und Songs, die sorgfältig und lebendig einen Reisebericht der frühen Zwanziger voller Krisen, Erinnerungen, Hoffnungen und dergleichen nachzeichnen intensive Momente, die sich in diesem Alter fast lähmend hart anfühlen – auch wenn Sie gerade erst beginnen, weise genug zu werden, um zu wissen, dass sie vergänglich sind.JDChurchs neuestes Projekt ist sein ehrgeizigstes: ein Triple-Album mit 24 Songs, das im Laufe einer Woche in drei Segmenten veröffentlicht wird.Heart, &, and Soul verfeinern das melodische, mittelschnelle Geschichtenerzählen, in dem Church sich auszeichnet, weiter und bieten eine bewegende Zusammenfassung dessen, was er in seiner 15-jährigen Karriere gut gemacht hat.Es gibt dreiste Statements, die an seine respektlosen frühen Tage erinnern („Stick That in Your Country Song“), sowie maximalistischen Rock-and-Soul wie Elton John-meets-Meat Loaf „Heart of the Night“ und den Roots-Rock von „Hell of a View“. Jedes dieser Alben hat eine lockere Prämisse (viele „herzliche“ Melodien auf „Heart“, viel R&B-orientierter Funkrock auf „Soul“);Zusammengenommen ist Heart & Soul eine Art Konzeptalbum über die ewige Kraft der Musik – die Musik, die er macht, und die Musik, die er liebt, die die Bandbreite von Doors und Bobbie Gentry („Rock and Roll Found Me“) umfasst Elvis und Guns N' Roses („Heart on Fire“).JBDas sechste Album der wandelbaren 13-köpfigen Rap-Gruppe Roadrunner: New Light, New Machine schafft es, so leicht zu hören zu sein, wie Ginger es nicht war, was überraschend ist, da es inmitten einer Tragödie entstand.Roadrunner ist vom Selbstmord des Vaters des Gruppenmitglieds Joba beeinflusst.Seit Jahren schwebt das Gespenst des Selbstmords über Brockhamptons Musik.Jetzt wurden sie gezwungen, es in der Realität zu verarbeiten.Jobas Verlust hat ihn dazu gebracht, über Leidenschaft und Zweck nachzudenken, und obwohl es keine Grenzen gibt, wenn Joba mit seinem Schmerz konfrontiert wird, fühlt sich das Album als Ganzes inspiriert und sogar hoffnungsvoll an.Brockhampton hat damit experimentiert, was es bedeutet, eine „amerikanische Boyband“ zu sein, und anerkannt, dass Rap die Gegenwart und Zukunft des Pop ist, während sie die ästhetischen Erwartungen, die mit dem Spitznamen „Boyband“ einhergehen, mit ihren offenen Geständnissen untergräbt.MCDas Debütalbum von Rising Star Celestes „Not Your Muse“ hat lange auf sich warten lassen.Seit der Veröffentlichung ihrer ersten Single „Daydreaming“ im Jahr 2016 wurde sie von Größen wie Elton John und Billie Eilish gelobt und mit Adele verglichen.Not Your Muse hält, was sie verspricht, und wechselt dank ihrer verträumten, rauchigen Stimme mit Leichtigkeit zwischen dunstigen Disco-Klängen und sirupartigen Balladen.Upbeat-Songs wie „Tonight Tonight“ und „Love Is Back“ sind süße Retro-Stepper voller Attitüde und Funk.Die besten Momente zeigen ihre kraftvolle Bandbreite, wie das funkelnde, winterliche „A Little Love“ und das erhabene Highlight „A Kiss“.BSIm Gegensatz zu seinen letzten beiden Alben hat J Coles The Off-Season keine übergreifende Botschaft, sondern Vollgas.The Off-Season erinnert an sein Mixtape „Friday Night Lights“ aus dem Jahr 2010, das seine Kernfangemeinde etablierte und Basketball als Metapher für Rap verwendete.Mit Gastauftritten von Lil Baby aus Atlanta bei „Pride is the Devil“ und 21 Savage bei „My Life“ hören wir Cole neben einigen der größten Rap-Superstars von heute rappen.The Off-Season repräsentiert im Wesentlichen das, worauf Cole sein Fundament aufgebaut hat, eine Mischung aus bewusstem Geschichtenerzählen und Pointen, die Sie vielleicht erst beim zweiten oder dritten Hören verstehen.DGMichelle Zauner ist es nicht fremd, Trauer frontal mit Hochgefühl zu begegnen. Als ob der Titel nicht offensichtlich genug wäre, ist die neueste LP Jubilee von Japanese Breakfast das bisher ekstatischste Album des Projekts, obwohl ein Blick auf die Texte Ihnen das verraten wird Zauner ist noch nicht damit fertig, die heikleren Aspekte von Abhängigkeit, Hingabe und Sehnsucht auszugraben.Die Lead-Single „Be Sweet“, geschrieben mit Jack Tatum von der Indie-Pop-Gruppe Wild Nothing, entwickelt den Studio-54-Einfluss von „Machinist“ zu einer Synthesizer-Glückseligkeit aus den Achtzigern und verwandelt Zauners flehenden Hook in einen Schlachtruf: „Sei süß zu mir, Baby/ Ich will an dich glauben / ich will beliiieeeeeve!“CSJoy Oladokuns Major-Label-Debüt In Defense of My Own Happiness zeigt ein ernsthaftes Talent mit einer Art zurückhaltender, lässiger Leichtigkeit.Oladokun, das Kind nigerianischer Einwanderer, schreibt auf großzügige Weise über ihre Erfahrungen als queere farbige Frau und verknüpft bewegende Aussagen über Liebe, Spiritualität und Rasse mit einem Sound, der flink zwischen Pop, Folk, R&B und Indie-Rock hin und her springt .Oladokun verbirgt nie ihre vergangenen Kämpfe oder Schmerzen in ihren Texten, aber wie bei Songs wie „If You Got a Problem“ und „Look Up“ sucht sie immer nach dem Licht, um den Weg zu weisen, was zu einem der erhebendsten Hörerlebnisse des Jahres führt .JFJe mehr man Mustafa zuhört, desto mehr wird einem klar, dass das Nebeneinander des düsteren Straßenlebens, das er darstellt, und der sanften Musik, die er macht, überhaupt kein Nebeneinander sein sollte.Die Hälfte des Debütprojekts des Singer-Songwriters, When Smoke Rises, wurde als Singles veröffentlicht, mit Musikvideos, die die Backstein- und Betonfassaden des Wohnprojekts Regent Park in Toronto einfangen, wo er geboren und aufgewachsen ist.Seine zarte und ruhige Folk-Musik und diese Videos, heiter und trotzig, ehren seine Nachbarschaft mit der Sanftheit, die so oft in der Haltung und Politik gegenüber armen Menschen fehlt.Mustafas Entscheidung, in der Volksmusik von der Hood-Tragödie zu singen, ist wirkungsvoll, nicht nur, weil es schön und mitreißend ist, sondern weil es sich unerwartet anfühlt.MCIn ganz Tyron scheint Slowthai eine vom Punk inspirierte Frechheit mit einer breiteren Kultur der Verantwortlichkeit zu rechnen.Das Ergebnis ist gleichermaßen erhellend wie eindimensional.Trotz einer Handvoll verpasster Landungen inspiriert Tyron immer noch bewundernswert die Art von Moshpit-Energie, die sich in einer Ära geschlossener Veranstaltungsorte und sozialer Distanzierung fast romantisch anfühlt.Das Frontend mit Songtiteln in Großbuchstaben ist voll von dem hochoktanigen Stil, mit dem die meisten Fans vertraut sind.Die zweite Hälfte, mit Titeln in Kleinbuchstaben, findet Slowthai auf relativ neuem Terrain.Die BPMs sind niedriger und er ist an einem Ort echter Selbstbeobachtung.Es ist diese Ehrlichkeit, die die zweite Hälfte von Tyron als größte Stärke des Albums auszeichnet.—JIObwohl der Titel der neuesten Veröffentlichung des Buffalo-Rappers, The Plugs I Met 2, an sein 2019er Album The Plugs I Met anknüpft, ist es leicht, das Album als Abschluss einer Trilogie von Soloarbeiten zu betrachten.Die ersten Plugs aus dem Jahr 2019 dienten als düsterer Einstieg in eine Welt der organisierten Drogenkriminalität, schattig und bewölkt.Burden of Proof aus dem letzten Jahr war hauptsächlich eine auffällige und triumphale Erinnerung an die Beute, die man beim Drogenschmuggeln und Aussteigen hatte, mit gelegentlichen Hinweisen auf die Frustration und den Verlust des Straßenlebens.Auf The Plugs I Met 2 erforscht Benny diese Traurigkeit und Gefahr ausführlicher anhand einer Auswahl von Harry Fraud-Beats, die die Härte der ersten Plugs mit dem Glanz von Proof verschmelzen.Er ist ein überzeugender Rap-Weiser;ein fesselnder Spucker, der seine schändlichen Erfahrungen mit einer Fülle von Bewusstsein für ihre Nuancen und Einflüsse anbietet.MCJune klang selbst nie vollständiger und aufregender als auf ihrem neuesten Album „The Moon and Stars: Prescriptions for Dreamers“, das Pop-Ambition, volkstümliche Offenheit und Blues-Weisheit vereint.Auf diesem 14-Track-Songzyklus tritt June als Co-Produzentin (neben Jack Splash) in Erscheinung und fügt ihrem Fundament aus Country-Folk, R&B und Roots-Rock moderne Drum-Programmierung, klassische Orchestrierung und Afrobeat-Schnörkel hinzu.Noch nie klang ihre Stimme flinker als hier: in einem Moment zerbrechlich („Fallin“), im nächsten athletisch („Stay“).Die Lieder sind meditativ und impressionistisch, manchmal geradezu nicht-narrativ.„Within You“ und „Stardust Scattering“ erinnern beide an den erweiterten Geist der Beatles der Revolver-Ära.JBCarnage, eine Zusammenarbeit zwischen Cave und Bad Seeds Multiinstrumentalist Warren Ellis, ist eine relativ stille Meditation über spirituelle Erlösung in Zeiten der Einsamkeit.Auf jedem der acht Tracks der Platte versucht Cave, seinen Platz in der Welt zu verstehen, während er sieht, wie sie um ihn herum zusammenbricht.Wenn er beim Titeltrack an die Liebe denkt, dann „bei ein bisschen Regen und ich hoffe, wir sehen uns wieder“.Weiter hinten auf dem Album, auf „Shattered Ground“, ist seine Liebe diffus, „Everywhere you are, I am“, singt er in einen Äther synthetisierter Streicher, „und überall, wo du bist, werde ich deine Hand wieder halten.“-KGTopaz Jones' Don't Go Tellin' Your Momma inspirierte ihn zu einem gleichnamigen Kurzfilm, einem visuellen Album, das sich stark von Beyonces selbstbetiteltem oder Lemonade-Werk unterscheidet, aber genauso unterhaltsam, emotional und zum Nachdenken anregend ist.Das Album-Album ist genauso gut.Sein luftiger Hintergrund aus Funk und Hip-Hop erhebt Jones' scharfe Raps, die die gemeinsamen Fäden seiner schwarzen Jugend (Süßigkeiten, Grillpartys, familiäre Dysfunktion) mit den Freuden und Gefahren des schwarzen Erwachsenenalters (Drogen, Masseneinkerkerung, komplizierte Beziehungen) verbinden.Jones ist ein meisterhafter Geschichtenerzähler in allen Medien.MC„Ich mache immer wirklich fröhliche Musik“, sagte der aufstrebende nigerianische Künstler Joeboy dem Rolling Stone.Sein erstes Album, das in den Vereinigten Staaten veröffentlicht wurde, vereint helle Melodien, wunderschöne Rhythmen und eine optimistische Vision.Auf „Number One“ gleitet seine Stimme über einem hüpfenden Beat in ein geschmeidiges hohes Register, und „Better Things“ erschafft aus einem einfachen Gitarrenloop und seinen warmen Harmonien etwas Glänzendes und Majestätisches.Egal, ob er über Liebe und Ehe oder eher vergängliche Romantik singt, alles auf dieser einzigartig hübschen Platte fließt mit der Wärme, Großzügigkeit und Schönheit eines Al-Green-Valentinsgrußes.– JDHayley Williams hat mit ihrer neuesten LP „Flowers for Vases/Descansos“ festgeschrieben, wie ein Quarantäne-Album von oben nach unten klingen kann.Es ist ihr zweites Soloalbum außerhalb ihrer langen Karriere als Leadsängerin von Paramore und ihr zweites in weniger als einem Jahr: Sie hat ihr Debüt, das vielseitige und von Björk inspirierte Petals for Armor, im vergangenen Frühjahr in drei Teilen veröffentlicht.Im Gegensatz zu Petals oder jedem anderen Album, an dem sie beteiligt war, nahm Williams Flowers ganz alleine auf – sie sang alle Harmonien und spielte alle Instrumente – in ihrem Haus in Nashville.Flowers versetzt den Zuhörer in das Herz von Williams vergangenem Kummer, wie sie ihn in ihrem verletzlichsten Zustand erlebte.CSWas würde passieren, wenn Cuomo sein Herz einmal ungefiltert ausschütten würde?Da es kein echtes Antonym für Ironie gibt (und Cuomo würde sich niemals erlauben, den siebten Schleier fallen zu lassen), kommt Weezers 14. LP, OK Human, wahrscheinlich so nah wie möglich.Für das Album, dessen Titel unübersehbar Radioheads OK Computer zuzwinkert, tauschten Cuomo & Co. laute Gitarren gegen blumige Streicherarrangements.Der Ansatz ist eine nicht so subtile Anspielung auf Kammerpop-Benchmarks wie Pet Sounds und Let It Be, aber ohne die konfessionellen Tagebucheinträge der ersteren oder die Sentimentalität der letzteren.Stattdessen passt Cuomo seinen natürlichen Sinn für Humor an die Stimmung der Musik und der Welt vor ihm an.KGNie war das Timing besser für eine gute Liz Phair Platte.Die unverblümten Texte und die malerische Songkunst, die sie 1993 auf ihrem klassischen Debüt Exile In Guyville perfektionierte, sind heutzutage bei einer Vielzahl exzellenter junger Künstler auf der Indie-Pop-Landkarte zu hören – Soccer Mommy, Snail Mail, Jay Som, Adult Mom , Lucy Dacus, Stella Donnelly, um nur einige zu nennen – was Phair mit Leichtigkeit zu einem der resonantesten Songwriter der letzten 30 Jahre macht.Soberish, ihr erstes Album seit 11 Jahren, erinnert an den Ruhm von Guyville und seinem 1994er Nachfolger Whip-Smart, ohne sich wie eine selbstbewusste Rekapitulation anzufühlen.JDMehr als zwei Jahre sind seit seinem letzten Album „Icarus Falls“ vergangen, einem treffend betitelten 27-Track-Nachfolger seines viel schlankeren Debüts „Mind of Mine“ aus dem Jahr 2016.Beide LPs hinterließen bei den Zuhörern mehr Fragen als Antworten darüber, was Malik von seiner Post-1D-Karriere wollte.Trotz seiner grüblerischen Einführung zeigt „Nobody Is Listening“ sowohl Zurückhaltung als auch Wachstum eines neuen Vaters, der gerade 28 geworden ist, auch wenn die Songs eher seine Beziehung zu seinem langjährigen Partner Gigi Hadid zu reflektieren scheinen als seinen Weg in die Vaterschaft.Angesichts von Maliks Ambitionen als R&B-Sänger ist es gut, dass er ein Liebeslied verdammt gut singen kann.BSAuf Angelic Hoodrat: Supercut schwebt der 26-jährige Kenny Mason zwischen akrobatischem Rap und Alternative Rock.Während sich solche Mischungen kitschig und gezwungen anfühlen können, entführt Sie Supercut in eine stimmungsvolle Welt, in der gekonnte Gitarren in Harmonie mit staubigen Hip-Hop-Drums leben.„Ich und meine Patnas, die in der gleichen Nachbarschaft aufgewachsen sind, haben Coldplay genauso gehört wie Future“, sagte der gebürtige Atlantaer im April dem Rolling Stone.„Wir hören [Rock] gleich nach Peewee Longway und Bankroll Fresh.“Unter seinen vielfältigen Einflüssen erzählt Mason Geschichten von Nachbarschaftskämpfen mit Sensibilität.„Ich bin in der A und denke darüber nach, wie ich mich erinnern kann, wenn ich gelöscht werde“, rappt er.MCDie Bostoner Boho Juliana Hatfield ist seit ihren Anfängen mit den Blake Babies eine der Songwriterinnen des Indie-Rock, aber sie wird definitiv nicht weich.Blood ist eine ihrer härtesten überhaupt, voller politisch aufgeladener Wut.Hatfield hat ihren eigenen Stil mit zarten Melodien, wie es sich für eine Rockerin gehört, die ihren Idolen wie Olivia Newton-John Tribute-Alben herausgebracht hat.Aber auf Blood spricht sie für uns alle in Einzeilern wie „Ich musste mir selbst ins Gesicht schlagen, um aus dem Bett zu kommen.“RSWenn die einzige Musik, die Sie ausstehen können, der Trommelschlag der Wut ist, der durch Ihren schmerzenden Kopf strömt, sind die Sleaford Mods immer gut für eine Spritztour.Sie sind Nottingham, Englands Antwort auf den Untergang, mit Sänger Jason Williamson, der zu Andrew Fearns sparsamen, aber scharfen Beats über alles Mögliche schwadroniert, von der Sparpolitik Großbritanniens über den Konsumismus bis hin zu den Schwächen des Musikgeschäfts.Spare Ribs, die 11. LP der Mods seit ihrer Gründung im Jahr 2007, ist ein wahres À-la-carte-Menü der Empörung.Die Platte wurde teilweise während des Lockdowns geschrieben und enthält einige der am wenigsten störenden Songs über die Pandemie, die seit dem ersten Ausbruch im Jahr 2019 aufgenommen wurden. BEVanJess – das Duo der singenden nigerianisch-amerikanischen Schwestern Ivana und Jessica Nwokike – sitzt sanft in ihren fleischlichen Wünschen und emotionalen Bedürfnissen auf Homegrown.Das Paar ist vielleicht am besten für seine Zusammenarbeit mit dem Produzenten Kaytranada bekannt, sowohl bei seinen Projekten als auch bei ihrem herausragenden Album Silk Canvas aus dem Jahr 2018.Das Paar schiebt „Dysfunctional“, ihren 2019er Dance-Track mit Kaytra, auf Homegrown, verbirgt es aber geschickt zwischen sexy neuen Songs.Hier engagiert VanJess auch die raffinierte Produktion von Snakehips und Monte Booker, ein Doppeldate mit den Gastsängern Garren und Jimi Tents und die Verbindung mit Phony Ppl.Über neun Tracks hinweg sind Ivana und Jessica durch zarte Harmonien und ihre Soundlandschaft aus verführerischem, schnellem R&B, Soul, Funk und Hip-Hop synchron.—MCDas Indie-Rock-Superhelden-Duo des Jahres mit zwei der schärfsten Songschreiberinnen der Welt, Melina Duterte von Jay Som und Ellen Kempner von Palehound.Die Gitarren gleiten im Elliott Smith/Mary Timony-Modus, während beide Frauen in „Back of My Hand“ und „Stay in the Car“ über verdrehte Liebe flüstern und knurren.Das Beste von allem: „Sand Angel“, davon, von jemandem zu träumen, den man vermisst, dann die ganze Nacht mit den Zähnen zu knirschen und zu wissen, dass man nicht wieder einschlafen wird.Beide Songwriter kennen dieses emotionale Terrain in- und auswendig, wie in Palehounds Black Friday oder Jay Soms Everybody Works.Aber zusammen erreichen sie etwas Neues.RSDas neueste Album des Singer-Songwriters ist sein bisher überzeugendstes.Seine klangliche Neuerfindung hier – geprägt von stammelnden Synthesizern und wirbelndem Glam Rock – fühlt sich mühelos und unvermeidlich an.Tasjan liefert Songs – wie „Sunday Women“, mit seinem Refrain, der den Song in den ersten Sekunden stürmt, und „Don’t Overthink It“ mit seinem Psych-Rock-Outro – mit einer aufregenden, frischen Dringlichkeit, die es sich anfühlt, als wäre er der Er war der erste Singer-Songwriter, der Synthesizer und Pop-Chöre entdeckte (oder in seinem Fall wiederentdeckte).—JBDieser Geist der Hingabe des Rock 'n' Roll existiert noch ein halbes Jahrhundert nach seinen Anfängen in Coopers Musik.Es ist keine Überraschung, dass die besten Songs auf Coopers 21. Soloalbum „Detroit Stories“ die lustigsten sind.„Our Love Will Change the World“ ist ein freches Cover eines ironischen Liedchens der Power-Pop-Gruppe Outrageous Cherry aus Michigan, und in Coopers Händen klingt es wie The Partridge Family auf Angel Dust, komplett mit Fingerschnippen, während die immer Der sarkastische Sänger beschreibt seine Traumutopie als Dystopie.-KGChadwick stützt sich auf ihrem Klavier ab und erahnt die richtigen Akkorde, um jedes ihrer verletzten Worte wie eine Salbe zu behandeln, während sie ihren mittelalterlichen Trümmern einen Sinn gibt.Es ist nicht so sehr die herzzerreißende Sprache von Me and Ennui, die das Album fesselnd macht, sondern die Art und Weise, wie sie es singt.Ja, es gibt jede Menge Langeweile – dieses schwer zu beschreibende unzufriedene Gefühl, dem Sylvia Plath und Charles Lloyd in Gedichten huldigten (vielleicht am besten in Peggy Lees „Is That All There Is?“ zusammengefasst) – aber Chadwick ist zu egoistisch. bewusst, dass dieses Gefühl im Mittelpunkt steht.In gewisser Weise hat dieses Album lange auf sich warten lassen.-KGSeit 15 Jahren sind sie die Ausreißer des Pop: Eine Band mit einem Leadsänger mit Wurzeln im Jazz und Kabarett, die Musik spielt, die sich an Americana, R&B, Pop und alles andere anlehnt, aber nie direkt in eine dieser Kategorien fällt.Verdammt, Bridget Kearney spielt sogar einen Kontrabass.Offensichtlich sind sie immer noch Sonderlinge, aber auf die beste Art und Weise.In einem Moment, in dem der Pop nach Lo-Fi und Intimität in der einsamen Welt strebt, weigert sich die Jazz-Pop-whatever-Band, klein zu denken.DBMCJDJBHSKGJDKGSEINHSJDCSKGRSHSDGRRJDKGSVLMelden Sie sich für unseren Newsletter an.Rolling Stone ist ein Teil der Penske Media Corporation.© 2022 Rollender Stein, LLC.Alle Rechte vorbehalten.